Il Gruppo Giardino Storico-Università di Padova organizza il XXVIII Corso 2018, La parte del selvaggio. Miti e figure della natura senza l’uomo. Il Corso, coordinato da Antonella Pietrogrande, propone un’esplorazione intorno al tema del «selvaggio» che oggi, più che mai, affascina. Errante tra le rovine della sua modernità, minacciato dalla crisi ecologica globale, l’Uomo occidentale vive il paradosso di un’attrazione irresistibile per una natura che, ai suoi occhi, pare essersi liberata di lui, ritornando alle origini. Questa ricerca di natura «pura» si traduce, su scala planetaria, nell’evoluzione delle politiche di conservazione ambientale e nel trionfo della rinaturalizzazione, con il moltiplicarsi delle riserve naturali integrali. Si afferma la ricerca di una «piena natura» che coinvolge sempre più le pratiche turistiche e del tempo libero, contrassegnate dal desiderio di una immersione dei corpi in luoghi dove restaurare le energie perdute e fondersi con ciò che incarna l’assolutamente altro.

In un mondo quasi del tutto umanizzato, si vuole quindi solo ridare al selvaggio la sua parte o si tratta invece di pensare a una natura “re-inselvaggita”, senza alcun tipo di mediazione della specie, della società e della cultura? Questo sogno ambiguo di “re-inselvaggimento” minaccerebbe però di far scomparire la natura come paesaggio, risultato delle millenarie trasformazioni da parte dell’uomo, una natura ribelle ma controllata, altra ma familiare, che si guarda con diletto.

Il paesaggio è oggi uno degli spazi culturali in cui questo sogno di “inselvaggimento” si esprime in modo privilegiato. Ciò accade, in particolare, nelle sistemazioni urbane che pongono le città di fronte al loro inverso selvaggio, finora sfuggito o rifiutato; lo stesso vale per i giardini che mettono in scena il ritorno a una naturalità perduta. Riflettere sull’interpretazione di questi fenomeni è il compito che si dà il XXVIII corso del Gruppo Giardino Storico dell’Università di Padova. Al di là di un inventario delle figure paesaggistiche e giardiniere del «re-inselvaggimento» contemporaneo del mondo, il corso, presentando come di consueto vari punti di vista, ricollocherà tali figure nella loro eredità storica, proponendo un’immersione nella storia dei miti e degli archetipi iconografici, giardinieri e paesaggistici, della natura selvaggia che, in quanto costruzione culturale, è presente in ogni epoca e per dispiegarsi ricorre a immagini, concetti e racconti in cui ogni volta s’incarna.

Gli appuntamenti – aperti con cadenza settimanale a insegnanti, studenti universitari, tecnici e appassionati del settore – avranno inizio il 18 gennaio e termineranno il 17 maggio 2018. Oltre alle lezioni teoriche, sono previsti: tavole rotonde, seminari, flash botanici e presentazioni di libri, visite a giardini e a paesaggi. Un viaggio di studio, dal 24 al 27 maggio, in Trentino Alto Adige, permetterà ai partecipanti di verificare dal vivo alcune delle problematiche proposte dal corso.

18 GENNAIO, ore 16.00 aula A, piano terra del Fiore di Botta 

La parte del selvaggio. Miti e figure della natura senza l’uomo. Introduzione 

Serge Briffaud – École Nationale Supérieure d’Architecture et de Paysage de Bordeaux; Antonella Pietrogrande – Gruppo Giardino Storico Università di Padova

25 GENNAIO, ore 16.00 

Sull’invenzione della natura selvaggia 

Franco Brevini – Università di Bergamo

1 FEBBRAIO, ore 16.00 

Il selvatico contemporaneo. Strategie per il progetto di paesaggio. 

Franco Panzini – Università IUAV di Venezia

15 FEBBRAIO, ore 16.00 

La rinaturalizzazione. Le piante e l’idea del selvaggio 

Tavola rotonda con: Eraldo Antonini – studio Genius Loci Modena; Fabrizio Fronza – agronomo, curatore parchi Levico e Roncegno; Lucio Sottovia – Direttore Ufficio Biodiversità e Rete Natura Provincia autonoma di Trento; coordina Patrizio Giulini – Università di Padova, Gruppo Giardino Storico Università di Padova

22 FEBBRAIO, ore 16.00 

Dal ‘selvatico’ alla ‘natura spontanea’ nella storia del giardino occidentale 

Tavola rotonda con: Alberta Campitelli – già dirigente Ville e Parchi Storici del Comune di Roma, vice-presidente Associazione Parchi e Giardini d’Italia; Giorgio Galletti – già direttore del Giardino di Boboli, docente al Master di Paesaggistica Università di Firenze; Tessa Matteini – Università di Firenze Dipartimento di Architettura (DiDA); coordina Antonella Pietrogrande – Gruppo Giardino Storico Università di Padova

1 MARZO, ore 16.00 

Natura selvaggia come Altrove, tra modernità che esplora e aspirazioni avventurose del turismo postmoderno 

Francesco Vallerani – Università di Venezia Dipartimento di Economia

8 MARZO, ore 16.00 

“Il conforto del selvaggio”. Piaceri e pericoli della natura senza l’uomo 

Carlo Donà – Università di Messina

15 MARZO, ore 16.00 

Into the wild? Illusioni e rivincite della naturalità 

Telmo Pievani – Università di Padova

22 MARZO, ore 16.00 

Wilderness vs Civilization. Modi di rappresentazione del conflitto uomo/natura selvaggia nel cinema (americano e non) 

Antonio Costa – Università di Padova

5 APRILE, visita 

L’Abbazia di Praglia e l’opera di dissodamento dei monaci 

Norberto Villa – abate abbazia di Praglia; introduce Silvia Datei – Gruppo Giardino Storico Università di Padova

12 APRILE, ore 16.00 

Reinventare il selvaggio per riparare il paesaggio. Un esempio a Bordeaux 

Jean Noël Tournier – Atelier de Paysage B. et JN. Tournier Bordeaux, dialoga con Luciano Morbiato – Università di Padova

19 APRILE, ore 16.00 

Il bosco in città e il suo valore ecologico, ambientale e sociale 

Tavola rotonda con: Elena Accati – Università di Torino; Filippo Pizzoni – aMAZING_sTUDIO Milano; Paolo Semenzato – Dipartimento Territorio e Sistemi Agro-Forestali Università di Padova; coordina Francesca Dalla Vecchia – Università di Padova, Gruppo Giardino Storico Università di Padova

21 APRILE visita a Venezia 

Verde a Venezia: broli, orti, giardini 

Valeria De Toffol, Margherita Levorato, Luis Zenatto – Gruppo Giardino Storico Università di Padova

4-5 MAGGIO, viaggio in Friuli 

Ai confini del Friuli Venezia Giulia: borghi, ville e giardini 

a cura di Cristina Cremonese, con Bernardetta Ricatti – Gruppo Giardino Storico Università di Padova

10 MAGGIO, ore 16.00 

Cosa rimane della natura selvaggia. La “caccia” alle aree vergini superstiti 

Michele Menegon – PAMS Foundation, Università di Manchester Metropolitan, Museo delle Scienze Muse, Trento

17 MAGGIO, ore 16.00 

Le città e il loro inverso selvaggio. Come si mette oggi in scena il ritorno a una naturalità perduta 

Tavola rotonda conclusiva con: Claudio Bertorelli – Asprostudio Vicenza; Bianca Maria Rinaldi – Politecnico di Torino Dipartimento Interateneo di Scienze, Progetto e Politiche del Territorio; Annachiara Vendramin – studio Vendramin Padova; coordina Anna Lambertini – Università di Firenze Dipartimento di Architettura (DiDA)

24-27 MAGGIO, viaggio di studio 

Giardini e paesaggi in Trentino 

con Fabrizio Fronza, agronomo, curatore parchi Levico e Roncegno; Margherita Levorato – Gruppo Giardino Storico Università di Padova; Cesare Micheletti, Loredana Ponticelli – A²studio projects for and researches into the Alpine space Trento; Alessandro Pasetti Medin – Soprintendenza per i Beni Culturali Trento

Coordinatore responsabile del corso: Antonella Pietrogrande 

Direttori del corso: Francesca Chiesura Lorenzoni, Francesca Dalla Vecchia 

Fondatore: Patrizio Giulini 

Segreteria: Cristina Cremonese, Silvia Datei 

Le lezioni si svolgono a Padova, presso il Complesso Didattico di Biologia e Biomedicina Fiore di Botta, via del Pescarotto, 8, il giovedì, ore 16.00 – 18.30. Contributo di partecipazione 95 € (studenti 50 €). Info: http//www.giardinostoricounivpadova.it; email: segreteria@giardinostoricounivpadova.it. Iscrizioni: con bonifico, sulle coordinate bancarie GRUPPO GIARDINO STORICO PADOVA BANCA FRIULADRIA PADOVA – SANTA CROCE IBAN: IT39X0533612147000040119540, oppure presso Libreria “Il Libraccio”, via Portello 42, Padova tel/fax.0498075035, e-mail: libraccio@interfree.it

L’Università Iuav di Venezia, con l’Archivio Progetti, e il Dipartimento di Architettura dell’Università Roma Tre organizzano due mostre e una giornata di studi su Giuseppe Samonà (1898-1983), uno degli architetti più noti e influenti del Novecento italiano. Attivo come progettista, teorico e didatta, Samonà è stato direttore e rifondatore dell’Istituto Universitario di Architettura di Venezia (Iuav) dal 1945 al 1972 e senatore della Repubblica dal 1972 al 1976.

Per la città pubblica

Progetti 1949-83

a cura di Giovanni Longobardi e Giovanni Marras

con Stefano Balzanetti e Laura Pujia

Tolentini, Gallerie del rettorato

La vita delle opere

Fotografie di Umberto Ferro, Paolo Monti,

Claudio Sabatino, Egle Renata Trincanato

a cura di Angelo Maggi

progetto espositivo Andrea Nalesso

Tolentini, Aula Magna

Comitato scientifico

Alberto Ferlenga, Serena Maffioletti,

Vieri Quilici, Livia Toccafondi

Inaugurazione, 1 marzo 2018, ore 12.00

Università Iuav di Venezia

Tolentini, Aula Magna

intervengono

Alberto Ferlenga, rettore Iuav

Giovanni Longobardi, Angelo Maggi, Giovanni Marras, curatori

Elisabetta Pallottino, Vieri Quilici, Livia Toccafondi

Giornata di studio

a cura di  Giovanni Longobardi e Giovanni Marras

Tolentini, Aula Magna

8 maggio 2018

***

apertura

1 marzo > 11 maggio 2018

Università Iuav di Venezia

Tolentini, Gallerie del rettorato e Aula Magna

Santa Croce, 191 – Venezia

orario

lunedì > venerdì 10.30 > 17.30

chiusura sabato e festivi

ingresso libero

La mostra presenta una selezione di opere dell’artista, designer e architetto nella suggestiva cornice della Scuola Grande della Misericordia di Venezia.

Saranno gli ampi e suggestivi ambienti della Scuola Grande della Misericordia di Venezia ad ospitare la grande mostra personale di Marcello Morandini dal 25 marzo al 28 aprile 2018, realizzata in collaborazione con Orler Gallery e la Fondazione Marcello Morandini.

Il percorso espositivo si articola in nuclei tematici tra opere storiche e realizzazioni più recenti che ripercorrono la personale ricerca stilistica dell’artista nell’ambito dell’arte, della scultura e della grafica. Il segno geometrico declinato nelle opere bidimensionali, nei pannelli e nelle sculture di grandi e piccole  dimensioni dialogano con l’architettura imponente dell’edificio veneziano unico nel suo genere nel caratteristico sestiere di Cannaregio.

La personale ricerca di Morandini prende le mosse dalla riflessione e dallo studio della geometria sia piana che solida, in un continuo dialogo tra il pieno e il vuoto, tra la forma e l’elemento matematico, tra il rigore geometrico e il minimalismo cromatico.

Morandini nasce artisticamente nell’ambiente milanese dei primi  anni Sessanta, dove ne assorbe le inquietudini e l’esigenza dei continui confronti con l’ambito industriale ed esordisce nella prima mostra collettiva alla  Galleria San Fedele di Milano nel 1964. Seguono due importanti mostre personali alla Galleria del Deposito di Genova nel 1965 e poi al Naviglio di Milano nel 1967 e la partecipazione nel 1968 alla Biennale di Venezia con una sala personale, che lo farà conoscere ed apprezzare in Italia e all’estero.

L’artista rimane estraneo dalle correnti e dai gruppi artistici, che in quel periodo andavano per la maggiore, a favore di una personale linea di ricerca, in qualche modo vicina a quelle condotte dai gruppi cinetico-programmati ma sostanzialmente unica ed originale. Inaugura una proficua collaborazione con la Svizzera e la Germania (prima Basilea, Hannover, Berlino, in un secondo momento Darmstadt, Düsseldorf, Monaco, ecc.) dove passerà, seppure a tratti, gran parte della sua vita, sviluppando progetti e approfondendo gli sviluppi futuri del suo percorso artistico. Anche l’Asia  con Singapore e Tokyo, negli anni ottanta, la Malaysia nei novanta, divengono luogo ideale per i suoi progetti per lo più architettonici, spesso nati dalla riflessione delle sue opere artistiche.

«Arte, architettura, design, tre realtà che incoscientemente ogni giorno e in ogni momento mi coinvolgono – spiega Morandini – e ci coinvolgono arricchendo il nostro habitat fisico e culturale- in arte uso solo i colori bianco e nero, come in una grafia su di un foglio, dove non è necessario nessun altro valore cromatico aggiunto e le sue forme hanno modo di raccontare unicamente la loro storia e la loro bellezza all’interno dell’affascinante mondo della geometria!».

La mostra è realizzata in collaborazione con la Fondazione Marcello Morandini, costituita nel 2016, con l’obiettivo di fondare un museo nel 2018 dedicato all’artista, conservando e valorizzando le sue opere d’arte, di design e architettura e promuovendo la conoscenza delle arti in generale e in ogni loro forma. La Fondazione Morandini persegue queste finalità, attraverso esposizioni, eventi culturali e convegni, ricerche, pubblicazioni, attività didattiche con la collaborazione di musei e istituzioni italiani e internazionali.

La sede museale avrà sede a Varese a ultimazione dei lavori di restauro.

MARCELLO MORANDINI

Scuola Grande di Santa Maria della Misericordia

Sestiere Cannaregio, 3599, 30121 Venezia VE

25 MARZO – 28 APRILE 2018

Inaugurazione 25 marzo 2018 ore 11.00

Info 337-3038482; events@misericordiadivenezia.it

ORARI da mercoledì a domenica 10-00-18,00

a cura di Irina Zucca Alessandrelli

Le opere su carta di sei grandi artisti italiani del 900 – Afro, Boccioni, Depero, Russolo, Sant’Elia e Sironi – saranno esposte nella dimora privata dell’archistar Daniel Libeskind a CityLife

L’esposizione anticipa la grande mostra al Museo del Novecento con cui in autunno la Collezione Ramo, una delle maggiori raccolte private di opere su carta di artisti italiani del XX secolo

Inaugura venerdì 13 aprile 2018 la mostra di disegni La città moderna a casa Libeskind a cura di Irina Zucca Alessandrelli, nell’esclusivo attico di Daniel Libeskind, loft privato dell’architetto a CityLife, Milano. La mostra, che resterà aperta fino al 22 aprile, presenta al pubblico per la prima volta una selezione di lavori provenienti dalla Collezione Ramo di Milano, una delle maggiori raccolte private di opere su carta del XX secolo, iniziata alcuni anni fa dall’imprenditore milanese Giuseppe Rabolini.

Nel loft di Libeskind, la Ramo propone le riflessioni su carta di alcuni tra i più acuti artisti italiani della prima metà del secolo scorso, nella cornice di un’utopia architettonica divenuta realtà: Umberto Boccioni, Luigi Russolo, Antonio Sant’Elia, Mario Sironi, Fortunato Depero, Afro Basaldella. La città moderna a casa Libeskind anticipa la prima grande mostra delle opere della Collezione Ramo che inaugurerà in autunno al Museo del Novecento.

“La mostra della Collezione Ramo a CityLife – afferma l’architetto Daniel Libeskind – rappresenta una fantastica ricerca sull’immaginazione della città moderna attraverso gli occhi di questi artisti italiani. Credo che il disegno sia lʼespressione di base della città. Grazie al segno sulla carta si possono esplorare le infinite possibilità della mente – come solo Leonardo, Bernini e Michelangelo hanno saputo fare!”

Collezione Ramo. La città moderna a casa Libeskind sarà visitabile tutti i giorni dalle 11 alle 20, previa prenotazione (info@collezioneramo.com).

In questa mostra la curatrice Irina Zucca Alessandrelli seleziona le opere di sei artisti, parte della Collezione Ramo, che all’inizio del secolo scorso hanno riflettuto sulla città moderna, non solo una Milano in piena espansione, ma anche New York e i suoi grattacieli avveniristici.

A partire dalle carte di Umberto Boccioni, che nel 1907 trovò nella sua periferia – la zona di Porta Romana e la campagna di Via Adige con i cantieri a pieno ritmo – la fonte di ispirazione per una serie di disegni e dipinti a olio eseguiti con l’entusiasmo di chi vede finalmente “il nuovo” sorgere. In mostra lo schizzo a china, preparatorio per quella che diventò poi una delle sue opere più potenti, La Città che Sale (1910), ora conservata al MoMa di New York.
 Luigi Russolo, musicista futurista e autore de L’arte dei Rumori (1913), sognava invece di orchestrare il brusìo delle folle e delle stazioni cittadine, simbolo di vitalità moderna. L’artista sintetizza Milano, la città elettrica che non conosce riposo, nel cono di luce di un lampione nella nebbia densa. L’uomo sempre più piccolo lascia invece spazio all’imponente ingranaggio industriale nel disegno di Antonio Sant’Elia che, anticipando di circa un ventennio Metropolis di Fritz Lang, ragiona con la matita sui flussi di movimento intorno ad una piazza circolare che ricorda l’attuale Cordusio.
 Mentre Mario Sironi, che a Milano arriva un decennio dopo Boccioni, colloca presenze umane senza volto al cospetto di casermoni grigi su vuote strade periferiche.

Nei decenni successivi gli artisti italiani subiscono il fascino di New York che, con i suoi grattacieli di vetro e acciaio, le insegne pubblicitarie e le scritte luminose, diventa nuovo simbolo di modernità. Fortunato Depero anticipa di molto la tendenza e nel 1928 parte per New York. Nel 1930 disegna la metropolitana scoperta, Elevated (scrivendola erroneamente Elevetet), come un incessante saliscendi di volti, gambe e scalini tra grattacieli e lampioni. 
Afro Basaldella invece, agli inizi degli anni Cinquanta crea un’opera densa di sovrapposizioni materiche per immortalare una Manhattan, fatta di costruzioni verticali pressate nell’azzurro di un cielo che non ha spazio per esistere.

La Collezione Ramo è dedicata a quasi un secolo di arte italiana. Di un centinaio di artisti sono documentate le diverse fasi stilistiche con le più disparate tecniche su carta (acquerelli, collage, tempere, matite) per un totale di oltre 500 opere. Iniziata alcuni anni fa dall’interesse di Giuseppe Rabolini, la raccolta ripercorre le tappe della storia dell’arte italiana a partire dal disegno, come espressione primaria della ricerca artistica novecentesca. Dal primo ‘900, la collezione segue le tracce su carta dei maggiori protagonisti delle avanguardie storiche fino ai primi anni Novanta, prima che l’arte moderna diventi contemporanea. Lo scopo della collezione è di testimoniare la grande importanza dell’arte italiana del secolo scorso e, nello stesso tempo, promuovere una cultura del disegno, dal valore autonomo, al pari di pittura e scultura. Questa piccola mostra è un “assaggio” dei capolavori della Collezione che saranno presentati a novembre con una mostra al Museo del Novecento e con una pubblicazione dedicata al Disegno Italiano del XX secolo.

Le Residenze Libeskind a CityLife sono state progettate dal noto architetto polacco-americano tenendo conto della mutevole composizione di un quartiere storico di Milano. Nel disegnare il complesso di cinque edifici dove si trovano le Residenze, Libeskind ha usato la classica configurazione “a corte” e materiali naturali, mentre il design asimmetrico della facciata segna una trasformazione in chiave contemporanea di questo stesso linguaggio. Le Residenze, che vanno da blocchi di appartamenti a ville, sono situate sul perimetro del complesso in dialogo con il contesto originario, concepite non solo per ottimizzare la luce diurna e la vista sulle aree verdi, ma anche per dare a ciascuna un carattere unico che la distingue dalle altre. Le ventidue “sky-villas”, attici su due livelli (double-height penthouses) con generose terrazze e finiture di lusso, sono posizionate in cima a ogni edificio, offrendo viste mozzafiato sulla città.

Brazil S/A OFF

L’essenza del design brasiliano in una mostra
 di pezzi iconici e inediti al Bianca Maria Palace Hotel a Milano

Da quasi un decennio il progetto Brazil S/A è uno degli appuntamenti più attesi durante la settimana del Salone del Mobile, a Milano. Giovanni emergenti e designer conosciuti internazionalmente si alternano al Fuorisalone e diffondono la vera anima del design brasiliano.

Quest’anno il Paese sudamericano si presenta a Milano con l’esclusiva mostra Brazil  S/A OFF, una raccolta dei pezzi iconici delle ultime edizioni del Brazil S/A e delle opere inedite di 15 grandi designer. Ronald Sasson, Sergio J. Matos, Juliano Guidi, Henrique Steyer, Ines Schertel, PAX.ARQ, Regis Padilha, Lourena Genovez, Fix Design, Adriana Lohmann, Artistartesão, estudiobola, Alê Jordão e gli artisti Luiz Martins e Branco sono alcuni dei nomi presenti negli spazi del prestigioso albergo Bianca Maria Palace Hotel a Milano, dal 17 al 22 di aprile, dalle 10 alle 20.

La nuova generazione di designer brasiliani è riuscita ad abbinare artigianato, tecnologia e sostenibilità e ha creato pezzi dinamici e divertenti che interpretano pienamente l’anima del suo popolo.  Ed è con questo connubio tra design, arte e artigianato che la Mostra Brazil S/A OFF presenta pezzi storici delle 8 edizioni dell’evento, oltre a esclusive novità.

Retrospettiva Brazil S/A

L’artista di São Paulo Alê Jordão crea oggetti d’arte di design concettuale, e li ricava da carrozzerie di automobili e reti metalliche standard. Una delle sue opere storiche è la Mickey Chair (2012), premiata nel 2014 alla Biennale di Roma e nata da una vecchia carrozzeria arrugginita. Il brasiliano ha trasformato Mickey Mouse, cartoon rapido e dinamico, Topolino in Italia, in una grande sedia.

Il tavolino da salotto Mesa Espelho (2012), firmato dalle architette Camila Fix e Flávia Pagotti Silva, è stato creato con concetto dell’illusione ottica. Il mobile, in legno massello con le finiture in specchi, è perfetto per arredare la zona living.

Hoop, firmata da Daniel Simonini e Niccolò Adolini, – Adolini+Simonini, per Martinelli Luce, è stata uno dei pezzi di successo durante il Brazil S/A del 2013. La lampada da tavolo/terra – struttura stampata in resina – è una reinterpretazione del tavolo Eros, datata 1970, dell’architetto e designer italiano Angelo Mangiarotti. Disponibile anche nella versione con struttura in alluminio satinato. Diffusore inferiore in metacrilato satinato e sorgente di luce a LED integrata.

Il premiato designer Ronald Sasson ripropone uno dei suoi lavori iconici: Zózimo
Armchair (2015), dedicato al giornalista brasiliano Zózimo Barrozo do Amaral, che nel corso della sua carriera ha raccontato la Rio degli anni d’oro. Una seduta in bronzo di forte semplicità stilistica e scultorea e dal sapore retrò che rimescola e ridisegna il design degli anni ‘50 e ‘60. L’altro mobile è la panchina in multistrato di legno noce Doop (2015). Fatta a mano, è stata realizzata senza l’uso di un singolo chiodo o di una struttura metallica.

PAX.ARQ sviluppa progetti in varie scale, dagli edifici ai mobili e agli utensili, con l’obiettivo di innovare attraverso una fusione tra settore manifatturiero, tecnologie digitali e tradizionali.  In mostra il Bench Bombo (2015) in pine wood, l’oggetto non ha struttura interna e funziona come una conchiglia: i designer hanno cercato di costruire una geometria che insieme garantisse la resistenza dell’oggetto, dove ogni pezzo lavora a favore di questa resistenza.

Dagli scarti del Imbuía vecchio di oltre 40 anni, considerato un legno nobile e di alta durevolezza, Juliano Guidi crea mobili esclusivi di gran belezze. Il brasiliano estrae dalla natura oggetti che hanno nel loro DNA l’essenza stessa del Paese. La sua panca Story (2015) è una vera scultura, un’opera prima della natura.

Dalla flora alla fauna. Da 4 anni, Ines Schertel vive nella fattoria a San Francisco de Paula, nel Sud del Brasile, dove lei e il marito hanno preso cura di 300 pecore la cui lana è diventata fonte di ispirazione per l’artista e materiale per la produzione dei suoi  pezzi esclusivi di feltro rustico, come i moci Faceiro e Bugio (2015) riproposti alla mostra Brazil S/A OFF.  La tecnica dell’infeltrimento è stata perfezionata  durante i viaggi in Europa e in Asia centrale ed è figlia di una tradizione di oltre 6000 anni. La lana è  pressata a mano con l’acqua e con sapone di oliva e crea  il gioco di diversi strati che si uniscono. All’interno di questo procedimento  di “slow design”, o per intenderci di  progettazione lenta, Ines passa dalla materia prima alla produzione integrale dell’oggetto, riuscendo a misurare l’impatto ambientale dell’intero processo.

Louis Henrique, un gioco di parole con il nome del re Louis XVI e Henrique, è la poltroncina disegnata da Henrique Steyer per il Fuorisalone 2016 è una rilettura divertente della classica sedia Louis XVI, con un tocco infantile. Sullo schienale della poltrona “crescono” dei piccoli circoli che ricordano le orecchie del topo più famoso dei cartoni animati: Mickey Mouse.

Semplici ed eleganti. Così sono le poltrone e i pouf realizzati dallo estudiobola per la collezione Mexerica (2016), confortevoli e dal design originale. Il rivestimento è in cuoio naturale mentre i tessuti, sia leggeri che pesanti, sono in cotone. Mexerica è il termine brasiliano che indica le clementine.

Lourena Genovez riporta il suo mobile Bar Flora Brasileira (2016) a Milano. Il mobile – struttura con cornice smussato e porte sporgenti prodotti in MDF – richiama l’attenzione per il suo interno, rivestito con un’immagine poetica, femminile e romantica della flora brasiliana, in colori pastello, riproduzioni di uno dei dipinti dell’artista francese Dominique Jardy, radicata a Rio de Janeiro dal 1985.

Sergio J. Matos punta sul design “fatto a mano” per valorizzare i vecchi ancestrali mestieri e propone la poltrona Morototó (2017), ispirata alla flora brasiliana. Dal disegno ellittico del seme è stata colta la traccia e riprodotta in una triade nella robusta struttura in acciaio. Traduce le connessioni dei frutti che pendono in grappoli dalle coppe che raschiano il cielo in un movimento delicato. La trama artigianale del rivestimento rivela il movimento ipnotico della corda navale, compone le texture, mette in risalto la volumetria e trattiene il caldo delle mani, capaci di legare poesia.

Il grande architetto americano Steven Holl, con la mostra ONE TWO FIVE

racconta la sua passione per l’Italia, la luce, il colore e gli spazi

A cura di Marco Sammicheli

Dal 18 aprile al 3 giugno

Galleria Antonia Jannone, Corso Garibaldi 125 • Milano

Steven Holl, architetto americano tra i più affermati e conosciuti al mondo. Ha realizzato progetti culturali, civili, accademici e residenziali, opere ibride e innovative che hanno riscritto la grammatica dell’architettura contemporanea, ne hanno ridefinito i contorni e i contenuti. L’Hunters Point Community Library, nel Queens a New York e il Maggie’s Center di Londra del 2017 sono tra gli esempi più potenti. Quest’ultimo è il manifesto della sensibilità sociale, che non deve essere mai slegata dalla sua architettura. Le sue sono certamente opere costruttive complesse, ma inclusive e coinvolgenti. Tutto parte dal disegno ad acquerello, le idee di volume e luce sono già comprese nelle sue pennellate morbide e liquide.

La nuova stagione si apre con un viaggio straordinario tra i molti modi di immaginare e disegnare l’architettura, attraverso l’esposizione dei fogli provenienti dalla raccolta Antonio Certani della Fondazione Giorgio Cini

Il 20 aprile 2018 apre al pubblico Architettura Immaginata, la mostra che nell’anno della Biennale di Architettura celebra l’incredibile ricchezza di questa collezione straordinaria, svelando al pubblico una selezione di disegni di grande varietà e modernità dal XVI al XIX secolo

Dal 20 aprile al 17 settembre la Galleria di Palazzo Cini a San Vio inaugura la stagione espositiva 2018 con una mostra che unisce in maniera originale la bellezza del disegno alle catturanti architetture dell’inganno: Architettura Immaginata è un’esposizione che mette in risalto, attraverso l’esposizione di un centinaio di disegni, la ricchezza della raccolta Antonio Certani della Fondazione Giorgio Cini, eccezionale collezione di oltre 5.000 disegni acquisita da Vittorio Cini nel 1962, che raccoglie molti generi e numerosi esponenti della celebre scuola bolognese dal Cinque all’Ottocento. Grazie ad Assicurazioni Generali, main partner della Galleria fin dalla sua riapertura nel 2014 e da molti anni sostenitore istituzionale della Fondazione Cini, la stagione espositiva sarà aperta al pubblico fino al 19 novembre 2018.

Curata da Luca Massimo Barbero, Direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Giorgio Cini, e dagli studiosi dell’Istituto stesso, la mostra condurrà il visitatore in un viaggio affascinante tra disegni legati all’architettura illusiva e di ornato: quadrature, sfondati, prospettive, scenografie e campionari di oggetti come cartouches, vasi ornamentali ed elementi decorativi che spesso ornano le architetture dipinte, talmente visionari e curiosi da rappresentare quasi le radici del design.

“Questa mostra segna un nuovo capitolo del percorso di valorizzazione delle collezioni intrapreso dall’Istituto di Storia dell’Arte, nel quale rientrano gli studi sfociati nelle importanti pubblicazioni relative alla raccolta di arte antica conservata nella Galleria di Palazzo Cini e alla collezione di miniature, ma anche la digitalizzazione e la catalogazione dei fondi documentali e fotografici e le attività del Centro Studi Vetro. – afferma Barbero – Con Architettura Immaginata vogliamo mostrare al grande pubblico capolavori in parte mai esposti, opere rare e affascinanti che rappresentano al meglio un’epoca effervescente in cui l’architettura come inganno, cioè l’architettura disegnata e dipinta, rappresentava il cuore dell’espressione artistica”. Ma non mancherà in mostra una sezione dedicata a quei repertori di ornato in cui la potenza dell’immaginazione e la maestria tecnica si esprimono con forza sorprendente in forme zoomorfe e antropomorfe e in un florilegio di dettagli.

La raccolta Certani, costituita nella prima metà del secolo scorso dal violoncellista e compositore emiliano Antonio Certani (Vedrana di Budrio, 1879 – Bologna, 1952), è uno dei fondi di grafica più rilevanti conservati da un’istituzione privata e dedicati principalmente al disegno bolognese ed emiliano. Acquistata dal bibliofilo e antiquario Tammaro De Marinis, rischiò di essere smembrata e poi dispersa; a garantirne la preservazione intervenne la decisione di Vittorio Cini di acquistarla e destinarla come fondo integro all’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione, consentendone così la conservazione e lo studio.

Architettura Immaginata vuole essere un nuovo appuntamento per il grande pubblico, un’occasione per visitare Palazzo Cini e conoscere al contempo un aspetto finora in parte sconosciuto delle grandi collezioni della Fondazione Giorgio Cini, di cui la casa museo costituisce una vitale e affascinante cornice.

WORKSHOP DI CO-PROGETTAZIONE E DI AUTOCOSTRUZIONE attraverso il riuso di materiali di scarto per la sistemazione del cortile esterno di #OvestLab in vista della stagione primavera-estate che inizierà a maggio con il #Periferico Festival. Un approccio sperimentale che collega la parte teorica alla dimensione progettuale e pratica. La visione progettuale unisce la conoscenza del territorio e del contesto (sia sociale che storico) con cui il progetto si confronta, alla parte più sperimentale di progettazione e di diretta prototipazione nella fase realizzativa.

COSA RICERCHIAMO? Cultura progettuale: trasmissione dei saperi manuali, applicati anche nuovi modi di concepire l’apprendimento e la progettazione degli spazi per il riuso temporaneo cultura del riuso: riuso materiali di scarto, sensibilità agli aspetti di sviluppo sostenibile del territorio e con la tutela delle sue risorse ambientali

Cultura del riuso: riuso materiali di scarto, sensibilità agli aspetti di sviluppo sostenibile del territorio e con la tutela delle sue risorse ambientali

La co-progettazione e la realizzazione saranno curate da Studio Superfluo di Roma, un collettivo di professionisti che si occupa di design sostenibile, produzione artigianale e progettazione partecipata dal 2010.

Sostenibilità ambientale, dell’autoproduzione, della rigenerazione urbana e della progettazione partecipata, sono i temi che principalmente promuovono attraverso progetti, allestimenti, eventi, arredi su misura e workshop incentrati sulla didattica informale. Incentrano il loro lavoro su una visione di design sostenibile e di condivisione di competenze, tecniche e teoriche.

6 giorni complessivi di cui:

● 3 giorni di co-progettazione

● 3 giorni di realizzazione

Il workshop è rivolto a studenti universitari | giovani professionisti | makers | nuovi artigiani | architetti | designers

ISCRIZIONE ENTRO IL 22 APRILE 

Numero min. 10 (per avviare il workshop) Numero max. 15

COSTO 200€ a partecipante. La quota include assicurazione, materiali e pranzi nelle giornate del laboratorio

20 Crediti (CPF) riconosciuti per gli iscritti all’Ordine degli Architetti P.P.C.

Per informazioni e iscrizione:

Silvia Tagliazucchi | Associazione Amigdala M. silvia.tagliazucchi@gmail.com T. 3357484539

Evento Facebook

Gruppo Facebook per info e FAQ

Ai partecipanti verrà consegnato: attestato di partecipazione | abbonamento al Festival Periferico (dal 25-27 Maggio 2018) | tessera soci di Amigdala | visibilità e promozione del progetto e la sua partecipazione attraverso i canali di comunicazione del workshop e di diffusione delle attività di OvestLab (newsletter, social network) | costante visibilità del nome dei partecipanti sulla targa che sarà affissa nel cortile come spiegazione del progetto (con maggiore visibilità durante il festival Periferico e in tutte le iniziative estive che saranno svolte nel cortile) Inaugurazione dell’intervento durante la serata di Venerdì 4 Maggio per “Tresca” Serata di Balli popolari staccati dell’appennino emiliano – ingresso gratuito riservato ai soci

Ideazione e organizzazione: Amigdala | CivicWise

Didattica e assistenza al workshop a cura di Studio Superfluo

In collaborazione con: gli artigiani del Villaggio Artigiano | Archivio Architetto Cesare Leonardi | Laboratorio di riuso creativo Tric e Trac | Maker Modena – Fab Lab | Hera | Comune di Modena | Associazione IncontrArti – Progetto Spazio Erre | Base 2 | SIC infissi

Promosso da Ordine degli Architetti di Modena e Provincia